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    Ho sempre pensato al fare artistico come ad una sfida verso il mezzo di espressione stesso, atto al raggiungimento della metafora. Al fine dunque di restituire il valore simbolico dell’immagine, credo che sia fondamentale riuscire ad essere quanto più elastici e malleabili possibile rispetto alle infinite possibilità di indagine che l’arte ci offre. Nascono così i miei progetti, progetti intesi come lavori in divenire, stratificati come le linee della metropolitana, viaggiano su binari che possono incrociarsi oppure scontrarsi fragorosamente. Sono sempre il frutto di un’urgenza e fragilità interiore che non teme di essere mostrata. Possono essere ripresi o abbandonati oppure possono correre simultaneamente. Ogni progetto è contraddistinto da un medium che può variare a seconda di quale metafora desidero rappresentare. Una volta deciso l’argomento da affrontare, per intuizione e urgenza personale o in seguito alla meditata lettura di quotidiani e opere letterarie, lascio che l’idea, formatasi spontaneamente nella mia mente, decanti nella memoria. Poi procedo documentandomi sull’argomento, lo studio in profondità e solo in un secondo momento decido con quale materia_medium trattare l’argomento. Spaziando dalla riflessione esistenziale e politica sulla condizione umana all’introspezione poetica nell’universo delle emozioni e dei sentimenti, alla suggestione del gioco e dell’immaginazione, dalla rivisitazione delle tradizioni popolari al valore simbolico del paesaggio. Posso quindi proporre dei lavori che si diversificano per strategia e forma, ma che pure si riferiscono tutti a un medesimo filo conduttore: la Fragilità, come cifra dell’esistenza, e le sue differenti sfumature. 

I have always pictured my art as a challenge against the mean of expression itself, aimed at the metaphor. Thus, in order to provide the image with a symbolic meaning, I think it’s important to be as flexible as possible when we experience the infinite possibilities of investigation that art has to offer. This is the way my projects start, they are actual works in progress, stratified as the subway lines, traveling on tracks that may meet or violently collide. They are always the product of an urgency and of an inner frailty that isn’t afraid to show itself. They can be unfinished or abandoned, or they can run simultaneously. Every project has its own medium that can change according to the metaphor I want to represent. Once the theme is decided by means of intuition or personal needs, or after reading newspapers or literary works, I let the idea that is already shaped in my mind live inside my memory. Then I keep on gathering information about the theme, I study it deeply and finally I decide which “matter-medium” to use to convey the meaning. My works deal with a consistent number of themes: starting from the existential and political reflections about the human condition, passing through the poetical introspection inside the universe of emotions and feelings, they also express the suggestion of the game and of imagination, they may revisit popular traditions and convey the symbolic value of a landscape. Therefore, I have a wide range of works, which is very diversified in terms of forms and strategies, even though they all reveal a common thread: Frailty, as the core of existence, and its different shades of meaning. 

Simone Loi

 

Biografia

 

Simone Loi (Dorgali 1982). Diploma di maturità artistica, Maestro D'Arte indirizzo oreficeria all'Istituto Statale Ciusa Romagna di Nuoro. Nel 2006 si diploma all'Accademia di Belle Arti di Urbino. Nel 2007 frequenta il Corso di Fine Art all'UCCA Kent Institute of Art & Design in Canterbury, Kent, England. Nel 2010/2011 frequenta il corso di Scultura a cura di Franko B presso l'Accademia di Belle Arti di Macerata. Attualmente collabora con la Bottega Orafa Guskin Gioielli per la progettazione e realizzazione di preziosi. 

 

Esposizioni

 

Tra le principali attività espositive: nel 2004 partecipa al concorso video L'attimo Fuggente con il video Ermes - La Bellezza Deforme nella 40° Mostra Internazionale del Nuovo Cinema a Pesaro. Ha esposto al Trevi Flash Ad Museum of Contemporary Ad nella mostra Outing! Accademie allo scoperto a cura di Maurizio Coccia, (Treni). Nel 2005 ha partecipato al concorso video L'attimo Fuggente con il video Per chi sogna la farfalla nella 41° Mostra Internazionale del Nuovo Cinema a Pesaro. Ha partecipato alla mostra I Materiali e le Forme a cura di Elio Marchegiani, Morro d'Alba (Ancona). Nel 2006 ha esposto in Sistemi Operativi 06, Palazzo Ducale Urbino. Nel 2006 espone in Promesse presentata da Vittorio Sgarbi, Sale del Castellare Urbino. Nel 2006 partecipa al workshop Videolive, curata da Massimo Vitangeli, MAN (Museo d'Arte Nuoro). Nel 2007 espone in Entropie Jewels in Think Inside The Boks a cura di Robert Huber, Canterbury Environment Centre, Canterbury. Nel 2007 realizza la Cover per il gruppo musicale internazionale Stormlord The battle of Ouebec city - Live in Canada Nel 2008 vince il primo premio della sezione cortometraggi con Ermes. La Bellezza Deforme, Università di Urbino a cura dell'Ersu Urbino. Nel 2011 è selezionato per Giovane fotografia in Sardegna indetto da Su Palatu_Fotografia. Nel 2011 espone in A-Banda con il progetto fotografico La Primavera di Quirra, Villanova Monteleone Sa Domo Manna. Nel 2011 espone con Askan_forzaparis a Branchi-Insiemi di insiemi, galleria MEME di Cagliari, a cura di Paolo Carta e Giorgio Plaisant. Nel 2012 partecipa con il progetto Pleasantville all'interno della mostra Istituto Statale D'arte Nuoro 1968/2010 — La Retrospettiva A cura di Lisetta Bidoni. Nel 2012 espone La Primavera di Quirra in DEEP INSIDE-DISSOCIAZIONI, presso al CACT, Centro Arte Contemporanea Ticino - Bellinzona, a cura di Mario Casanova. Nel 2012 con il video Metacity viene selezionato in Visioni Dal Futuro, Concorso Video Di Cronosfera 3° Edizione, Alessandria. Nel 2013 espone a Immagina - Fotografia Narrativa e Arte Digitale, Galleria Spazio San Giorgio, Bologna. Nel 2013 viene segnalato a PREMIO BABEL nella categoria video con il cortometraggio Last Midnight. nel 2013 entra in finale a EXPOSURE 2013, con La Primavera Di Quirra alla SEE.ME Gallery di New York. Nel 2014 supera la selezione in SCOPE Ad Fair in Art in Miami Beach curata dalla See.Me per accedere alla esposizione di Ad Basel in Miami Beach XVIII. Nel 2015 espone a Darkkammer a cura di Roberta Vanali ed Efisio Carbone, Cagliari. Nel 2015 partecipa al workshop di Zanele Muholi e Lindeka Qampipresso il MAN (Museo d'Ade Nuoro). 

Nel 2019 realizza Mater all'interno della residenza d'artista a cura di Massimo Vitangeli finalizzata alla creazione di una scultura gioiello, tributo all'attività di orafo del Maestro Edgardo Mannucci.

 

 

Personali

 

2005, Attraverso lo specchio a cura di Giulia Sale, Fondazione Marco Magnani, Su Palatu'e sas iscolas, Villanova Monteleone (SS). 

2007, Steal This Apple, Periferia Urbane, Londra.

2008 Steal these apples, Periferia Urbane, Londra.

2009 Vaidanos in collaborazione con la bottega orafa Guskin Gioielli. Dorgali. 

2009, Twin fractures, Accademia Belle Arti Urbino - Dipartimento Arti Visive a cura di Massimo Vitangeli. 

2010, Tent's windows, Accademia Belle Arti Urbino - Dipartimento Arti Visive a cura di Massimo Vitangeli. 

2010, Vetrovuoto, Accademia Belle Arti Urbino - Dipartimento Arti Visive a cura di Massimo Vitangeli e Franko B. 

2010, Mare Dei Mutamenti, workshop Esplorazioni a cura di Bruna Esposito, Accademia Belle Arti Sassari 

2010, Pleasantville, Autunno in Barbagia 010, Comune Dorgali e Regione Autonoma Sardegna 2011, Pleasantville, Autunno in Barbagia 011, Comune Dorgali e Regione Autonoma della Sardegna 

2012, Mondo di Plastica, Qart Contemporanea a cura di Laura Rabottini, Dorgali. 

2012, Pleasantville, Autunno in Barbagia 012, Comune Dorgali e Regione Autonoma Sardegna 

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DENTRO IL SOGNO

 Questa serie di lavori riprende il lavoro sviluppato nella tesi all 'Accademia di Belle Arti di Urbino dal titolo "Dentro il sogno - esperienze di ready-made del simbolo onirico". In questa tesi affrontavo la percezione all'interno del sogno, come esperiamo i vari aspetti all'interno della rappresentazione onirica e la sua simbologia densa di significato. Infine creavo una sorta di canovaccio sulla possibilità di rappresentazione della metafora onirica.

Questa serie di lavori ripercorre i concetti espressi nella tesi e li riassume all'interno di un NonLuogo, una sorta di bolla, una massa sospesa su un piano infinito che condensa immagini e archetipi.

DUALITY

In questa serie di disegni in divenire ho cercato di mettere in mostra la dualità, la sottile relazione tra ciò che siamo e ciò che mostriamo, il racconto che diamo di noi e il tormento che non ha voce e che solo il nostro giudice interiore conosce. Nasce così un viaggio interiore tra i demoni occultati dal desiderio contemporaneo di voler far emergere solo il lato brillante di noi. 

FridaDiego_duality, 2019, 50x50cm, grafite e pastelli su carta. Ayrton_duality, Francesco_duality.

R O O T S R E M E D Y _Conoscere le Radici dell’Albero Genealogico.

 

ROOTSREMEDY

“ Chi sono io? Da dove vengo? Dove sto andando? Qual è il mio senso?”. Nel giorno di nascita un bambino viene al mondo caricato di un senso, il così detto “Progetto Senso”, che non è suo, ma quello inconscio dei suoi genitori che a loro volta hanno ereditato dai propri genitori. Questa data non è causale, ma è determinata da una costellazione di avvenimenti-shock, vissuti da un genitore, da uno dei nonni, a volte anche da generazioni precedenti, e questo può essere trasmesso e passato di generazione in generazione causando sintomi comportamentali o fisici in un discendente; come è vero che ereditiamo il colore degli occhi di un nostro antenato così ne acquisiamo anche gli i comportamenti, le paure e i desideri. Quindi capire la propria struttura, le memorie che ci portiamo appresso è fondamentale per conoscere il Progetto Genitoriale Inconscio e iniziareun percorso di osservazione atto a trasgredire il Progetto genealogico pur conservandone il Senso. Trasgredire il Progetto e conservarne il Senso vuol dire Conoscere Se Stessi, assumersi la responsabilità della propria Funzione, senza più essere in balia degli eventi e delle memorie. Conoscere il proprio Progetto Senso consente di essere presenti a se stessi, di assumersi le responsabilità rispetto al proprio Talento e di metterlo in funzione andando altre la propria sfera personale, per certi versi è come se ci distaccassimo dalla nostra personalità per agire solo la nostra Funzione, qualcosa che è prettamente nostra e diversa da individuo ad individuo.

Una considerazione fondamentale è scoprire che “Noi non siamo Noi”, ovvero quello che noi crediamo di essere, le nostre credenze, il nostro status sociale, il nostro lavoro; la nostra personalità è forgiata da delle dinamiche inconsce che rispondono al nostro Albero Genealogico e, ad un ottava superiore, da memorie genealogiche che si manifestano quotidianamente nelle nostre “scelte”, o meglio nelle nostre “non scelte”, in quanto spesso si è trascinati dalla vita a percorrere strade che sono frutto di spinte date dal nostro clan di appartenenza. Conoscere se stessi è il fine dell’uomo, conoscere il proprio Senso, la sua Funzione è quanto di più nobile egli possa ambire di conquistare. Tesi sperimentale, materia: psicologia e metafisica, presso Accademia di Naturopatia A.N.E.A. Prato 21-12-2016.

https://www.youtube.com/watch?v=5ZXKn_tO-cQ

LAST MIDNIGHT

“Last Midnight cerca di mettere in luce il lato decadente dello Spettacolo, attraverso uno sguardo nel buoi della platea alla ricerca di un pubblico assente. Lo spettacolo diventa lo spettatore che non c’è, al suo posto è il suono delle macerie del cinema abbandonato, il cadavere scricchiolante del Tempo che logora i luoghi che venivano chiamati centri culturali.

Last Midnight è il tentativo di rivivere gli ultimi attimi dello show prima che cali definitivamente il sipario, la messinscena si ferma e l’attenzione è verso il pubblico, Il video diventa allora come un possibile last show, che lascia trasparire tutta la sua intima fragilità. Sulle note di Midnight, the stars and you salutiamo il fantasma del consumismo che si è nutrito e ha consumato il suo pasto.”

LAST MIDNIGHT 

MIRROR MIRROR

Il riflesso di una donna su uno stagno esprime simbolicamente la vulnerabilità e la non accettazione del sé. Come in una sorta di anti Narciso, la distruzione della propria IMMAGINE diventa l’unico strumento per evadere da se stessi, evasione che non può fare a meno di ritornare sui propri passi nel riformarsi dell’immagine sullo specchio dell’acqua. MirrorMirror è il simulacro di una vita che va in pezzi ma che continuamente ritorna per ricominciare, il ripartire anche se non se ne hanno le forze, l’errore che riemerge e la ripetizione del gesto con andamento ostinato portato fino alle sue estreme conseguenze; in una poetica del dolore interiore che si nutre di rotture e malsani tentativi di ricomposizione.

Invito il fruitore ad indossare le cuffie come gesto di isolamento interiore.

https://vimeo.com/user12028756 

METACITY

 In una piazza tre ragazze passeggiavano e tutte e tre scrivevano sul cellulare senza parlarsi ma tenendosi per mano... come dire stiamo vicine ma siamo distanti le une dalle altre.

Nella sua semplicità quell’immagine mi ha particolarmente colpito. Allora ho pensato a come le relazioni tra le persone stiano cambiando profondamente: nei luoghi pubblici, nelle piazze, negli autobus, anche tra amici ci si ritrova ad essere vicini ma distanti, ognuno preso da cosa succede online senza rendersi conto di essere offline per chi si ha affianco. Questo isolamento determina un non-spazio intorno all’individuo, o meglio un’architettura invisibile che divide e separa le persone. L’intimità di questo spazio sta divenendo sempre più importante, assumendo delle connotazioni quasi sacre ed inviolabili, in quanto determina una sorta di seconda “casa” che ci consente di disconnetterci dal mondo circostante. Probabilmente questa sorta d’isolamento è fisiologico ed irreversibile, e l’aumento del numero di cellulari ed apparecchi multimediali per individuo, soprattutto in Italia, ne è un esempio anche in questo momento di crisi economica mondiale. L'uso del cellulare è in aumento perché l’avanzamento tecnologico e gli imperativi della comunicazione rendono le persone dipendenti da questi oggetti, ne consegue una sorta di tirannia dell’Oggetto e della Macchina e allo stesso tempo una sostanziale inconsapevolezza di quanto sta accadendo.

Il video METACITY parla dell’isolamento del navigatore connesso alla rete, dove i pezzi del computer diventano zattere o piccole piazze alla deriva. L’architettura della nostra vita sta cambiando e bisogna inevitabilmente seguirne il flusso.

Senza alcuna pretesa di monito educativo, ma con la semplice intenzione di fermare lo sguardo sulla cultura contemporanea, da questi presupposti scaturisce la necessità di costruire una visione metaforica della nuova realtà.

Nasce così un viaggio verso un Altrove fatto di vestigia di tecnologia obsoleta. Pezzi di modernariato presi da vecchi pc dismessi divengono piazze e grattaceli, e campi verdi di natura sintetica. Città fluttuanti lievitano sospese su un mare di Luce Neon che si fa Demiurgo ubique e incarna forse l’idea prossima di una nuova spiritualità oltre i confini della tecnologia. O l’infinito nulla a cui nessuna tecnologia può sottrarci.

In questo non-luogo dialogano primati, simbolo del potenziale evolutivo umano e allo stesso tempo visione sarcastica di un certo modo comune di lasciarsi rincoglionire dai vari network.

In METACITY c’è solitudine e alienazione, ma anche infinite possibilità di creare collettivamente e partecipare di un TUTTO che non deve prescindere dal nostro quotidiano.

This video tries to capture some of this paradoxical isolation involved in ‘better communication’. In it, pieces of computer components have become small rafts adrift amidst the changing architecture of our western lives, floating on a flow of inevitability. Without any pretence to preach, the idea of this video is to enable us to distance ourselves and reflect upon this contemporary situation.

In this way we seek to initiate a journey elsewhere, an alternative place, through what are the ever-changing remains of the ever-advancing technology, the components of which in their short life-cycle before becoming obsolete are fashioned the objects of floatation keeping our heads above the surface while at the same time taking us ever deeper into the running rapids of their advancement. Fluctuating cities of such obsolete components flourish under the basking rays of the demiurge of neon-lights where all spirituality is the advancement of the object. In this strange place where space is negotiated in terms of negation and addition the human evolutionary potential in the form of primates navigate these blocks of space, reflecting their own capacity to interact by surfing on top of rafts of defunct technology while ever curious of their own reflection. Here in Metacity, there is loneliness and alienation, but also infinity of possibilities to create collectively and participate by interchanging spatial relations, navigating space-blocks. Operator, I would like to place a call to... As such, the video aims to question assumptions that may otherwise be too close for us to recognize.

https://vimeo.com/user12028756

AUTISM DISORDER 2.0

AUTISM DISORDER 2.0

AUTISM DISORDER 2.0 è un viaggio nell’isolamento tecnologico intrapreso nel video precedente METACITY (2012). L'uso del cellulare è in aumento perché gli avanzamenti tecnologici rendono le persone dipendenti da questi oggetti, ne consegue una sorta di tirannia dell’Oggetto e della Macchina e allo stesso tempo un’assoluta, o quasi, inconsapevolezza di quanto stia accadendo. Il cellulare diviene quindi oggetto d’indagine e mezzo attraverso il quale girare il video, è l’archetipo della nuova comunicazione, o meglio della comunicazione auto referenziata quindi “autistica”.
Senza alcuna pretesa di monito educativo, ma con la semplice intenzione di fermare lo sguardo sui nuovi usi e costumi popolari, da questi presupposti è sorta in me la necessità di architettare una visione metaforica di questa realtà.
In una piazza tre ragazze passeggiavano e tutte e tre scrivevano sul cellulare senza parlarsi... come dire stiamo vicine ma siamo distanti le une dalle altre. Nella sua semplicità quell’immagine mi ha particolarmente colpito. Allora ho pensato a come le relazioni tra le persone stiano cambiando profondamente: nei luoghi pubblici, nelle piazze, negli autobus, anche tra amici ci si ritrova ad essere vicini ma distanti, ognuno preso da cosa succede online senza rendersi conto di essere offline per chi si ha affianco. Questo isolamento determina un non-spazio intorno all’individuo, o meglio un’architettura invisibile che divide e separa le persone. L’intimità di questo spazio sta divenendo sempre più importante, assumendo delle connotazioni quasi sacre ed inviolabili, in quanto determina una sorta di seconda “casa” che ci consente di disconnetterci dal mondo circostante. Nel video AUTISM DISORDER 2.0 ritrae labbra che si muovono e non emettono suoni, mani che digitano linee e pulsanti invisibili, grida che non hanno suono e musiche che raccontano di due luoghi vicini ma incomunicabilmente distanti.

https://vimeo.com/user12028756

APOSTASIA

 Il cortometraggio APOSTASIA racconta una visione simbolica delle possibili origini dell’obesità. Da qualche parte nell’infanzia della protagonista è avvenuto un evento toccante che l’ha fatta sentire abbandonata, rigettata, non voluta, non amata. Passa il tempo e qualcosa del passato riemerge nel presente, si affaccia così un bisogno silenzioso di protezione che la spinge a riunire, legare e stingere a sé tutto ciò che può custodirla, creando intorno a sé un guscio protettivo. Alla base di questa storia c’è il senso di vuoto, l’abbandono, con un sottofondo di bambini ridenti che possono essere ad un tempo gioia e derisione.

Riportare alla Luce l’antica ferita e prendere coscienza dell’Origine è così un Apostasia del dolore in funzione di una metamorfosi.

Il video è stato volutamente girato con il cellulare come oggetto d’indagine del quotidiano, ogni giorno l’occhio tecnologico ubique ci fa entrare nelle innumerevoli visioni degli utenti che le postano su internet e spesso ci racconta di scene di disagio sociale, bullismo, derisioni e tragedie che segnano profondamente la vita degli “attori” ritratti.
L’attrice protagonista è Elisabetta Pisu, lei ha un rapporto particolare con il cibo, se non l’emoziona preferisce non mangiare, è come se cibo ed emozioni andassero a braccetto.
Il disegno in apertura del video è stato realizzato da Xavier Pira, ha 12 anni e ha avuto un’idea geniale nel collegare il filo rosso della bambina che rappresenta “il legame” con i volti assenti di due genitori da vetrina. Infine con questo video cerco di creare un ponte tra arte e consapevolezza. L’Arte Trasforma.

https://vimeo.com/186427049

MATER

Simone Loi _ MATER - Progetto realizzato per la residenza d’artista presso Premio Internazionale Scultura Edgardo Mannucci.

@simoneloiart con la collaborazione di @giordanoloi Guskin Gioielli e un sincero ringraziamento a Massimo Vitangeli per aver curato il progetto.

Mater _ 2019, fibra composita, ossidiana, rame, placcatura in oro.

Il progetto MATER (2019) dell'artista Simone Loi, nasce come tributo alla

straordinaria attività di orafo del Maestro Edgardo Mannucci. Un'attivita importante

e complementare dell'artista, di cui una parte venne esposta nell’antologica a lui

dedicata alla Biennale del metallo di Gubbio nel 1967.

È lasciandosi ispirare dall'immaginario cosmico del magnifico protagonista dell'arte

informale del '900 quale fu Mannucci, che Simone Loi ci traghetta con la sua ricerca scultorea in una dimensione stratificata, fatta di simbologie, squarci iconografici, sacralità, e senso del magico.

Ed è in questa esclusiva circostanza, che l'immaginifico di Loi insegue assonanze,

empatie e suggestioni creative di quel movimento organico e armonico in bilico tra

scultura e gioiello, per approdare a forme che rappresentino un'idea di un immediato

passato e un possibile futuro. Egli lo fa attraverso la coniugazione di preziosi

materiali antichi con i materiali del tempo presente che presagiscono l'evoluzione

del linguaggio scultoreo, creando un'ibridazione tra l'antico, l'arcaico, e il senso

alieno di un futuro della forma, peculiarità assolute che ritroviamo compiutamente

nell'opera MATER, un Brahmanda concepito per questa speciale occasione.

Ma per meglio addentrarci nell'attività scultorea e poetica di Simone Loi,

documentata dalla serie di fotografie esposte in questa XXVI edizione del Premio,

diventa significativo approcciarsi al suo immaginario, un immaginario che spesso

attinge dall'archeologia del sapere, estraendo preziosi e raffinati innesti arcaici, di

cui l'aspetto fascinoso è rappresentato dal senso antropologico con il quale indaga

per edificare le proprie opere. I riferimenti simbolici e stilistici al quale ricorre hanno

un'escursione primigenia che esplora con premura e dovizia lo spazio sensibile

dell'antichità sarda e dei suoi archetipi, rievocando figure come il Toro, simbolo della

forza creatrice, evocativo dell'idea di potenza, ma anche di sostegno del mondo

che mette in movimento la spirale cosmica. O la Dea Madre, Dea della fecondità

nel senso etnografico, ma ugualmente archetipo che collega e sostiene l'universo,

simbolo dell'inconscio e di coscienza della manifestazione. Quella del Padre,

simbolo del valore e di quella ricchezza per il suo potenziale di trascendenza, il Padre

delle origini, che è ad un tempo arcaico e prospettico, generatore di rinascita, come

afferma Paul Ricoeur nel suo trattato Dell'interpretation (1966).

Per poi ricorrere alle simbologie più terrene come l'Acqua, sorgente di vita, materia

prima, il Prana, soffio vitale come lo definivano i tantrici. O la Terra, che rappresenta

la funzione materna, protettrice contro ogni forma di annullamento, o come afferma

Esiodo nella Teogonia, le fu dato il nome di Grande Madre poiché si rivelò all’origine

di ogni vita.

O inoltrandosi nel simbolo dell'intelletto umano, di ciò che taglia e separa, che

permette un discernimento, una comprensione, come il Pugnale, la lama. Simbolo

di coraggio e ardore guerriero, ma anche dal significato alchemico che impedisce il

mescolarsi degli elementi, simbolo di potere, tanto da essere portato sul petto degli

antichi bronzetti sardi come simbolo di una casta elevata. Un Khanjar della mente

per l'artista.

Dunque, una simbologia antica quella di Simone Loi, ma con una visione che

trascende il tempo, tra sacralità e magia nuragica di una terra ancora misteriosa.

Massimo Vitangeli

La Scultura-Gioiello: scultura da indossare. La ricerca scultorea nasce dall’incontro tra il mio background di orafo e il percorso nella scultura contemporanea. I primi prototipi di Scultura Gioiello nascevano come progetto per l’ammissione al Kent Institute of Art & Design a Canterbury, in quell’occasione proponevo un progetto chiamato Entropic Jewels che aveva come tema centrale la “stretta relazione”, lo “scambio di calore”, che si instaurava tra la scultura di piccole dimensioni (portate al collo) e il suo portatore. Il concetto base stava nel muovere la scultura, da essere considerata nell’eccezione classica, come opera da contemplare nella sua “fissità” alla dinamicità dell’essere portata al collo come monile. I riferimenti simbolici e stilistici per le Sculture Gioiello parlano dell’antichità sarda e dei suoi due archetipi il Toro/Luce/Padre e la Dea Madre/acqua/terra e alla lama/pugnale come simbolo di potere, tanto da essere portata sul petto degli antichi bronzetti sardi come simbolo di una casta elevata. Le tecniche e i materiali per la realizzazione di queste Scultura Gioiello sono antiche e moderne, per esempio la tecnica dello sbalzo e cesello incontra la microfusione del metallo e i materiali variano dall’oro e l’argento ai più moderni titanio e carbonio.